Interview de Ziad Kalthoum

Né à Homs, en Syrie en 1981

Diplômé de cinéma et assistant de réalisation pour films, émissions et séries tv

Assistant de direction ET acteur dans Une échelle pour Damas

2011, réalise son premier documentaire Aydil (autre docu : Al-RaKib Al-Khaled)

2017, réalise film sur la situation au Moyen-Orient : ouvrier syriens construisant un gratte-ciel au Liban alors que leurs maisons sont détruites → guerre en Syrie/ situation des réfugiés au Liban/ question des droits de l’Homme

Version originale :

Do you enjoy your time here at La Roche’s International Film Festival ?

I just arrived like two hours ago and I hope I will meet some film makers and nice people. Like usually in festival, you meet a lot of film-makers, you can talk about movies and you watch a lot of movies. As I told you, I just arrived and I just finished my screening tonight. It was very nice, a lot of questions from the audience. We’ve discussed a lot about our story, the editing, the sound design and everything… That was nice.  

Why did you come to a career in cinema?

Because I love cinema. When I was young, I watched a lot of movies. I told myself “maybe this way I can express myself. Maybe I will build my language in the cinema”.

→ In 2011, you directed your first documentary “Aydil”, what is appealing in this type of filming?

“Aydil” was first documentary, medium documentary, 47 minutes. This movie was for me a challenge between me and myself, as my first step as film-maker, to express what I can do myself, how I can use my tools that I studied at cinema school in Russia. You know, the first movie is always a big challenge. I was afraid of this step, but at the end we did it with my team. A lot of people believed in this project. Also, this movie was a special one for me, because it was the first to talk about kurdish people in the media or in art. They don’t have right to talk about themselves, you know. So, my challenge wasn’t only to make a movie, but to choose this kind of art subject, to talk about the kurdish people in our country, in the North. It was me against the regime. In 2009, I started to shoot this movie. The first screening was in 2011, a few months before the revolution. I tried to express myself and let this people talking about themselves also, to tell to other people “we have this kind of sad stories in our country and we have people who don’t have the right to express themselves. We are living together but, as we have rights, they don’t have the same rights.”

As you said, it was a challenge to talk about kurdish people, is it the same challenge with “Taste of Cement”?

Of course ! We have challenges as film-makers every time, you want to build your language as film-maker every time. Every film-maker wants to make his own movie, to make something different from the previous other movies. For me it was like very clear from the first moment, I didn’t want to go to this kind of easy way to make a documentary about the syrian workers or any others. It was very easy to invite someone in front of your the camera and ask him about his life and he will talk to you about ten hours about his life, and after you go to the editing room and edit it. For me, this is not cinema or movie, because the challenge is for me to create your language, to search about yourself as a film-maker, to make something new and to make the audience being impressed about your work and how you deal with this subject and film it.             

→ With “Taste of cement”, you show the situation of syrian refugees in Lebanon. Was it complicated to shoot this movie, due to the situation in these two countries and the tensions there ?

It was very difficult. We spent one half year waiting our permission to enter the building in Lebanon. Nobody wants any camera to enter into these buildings, because people are working in the black market. The owners of the buildings are using the workers as slaves. They don’t have any kind of rights, they live in shitty situations and they don’t have right to go out. It was a big challenge also to take the permission from someone. But, our plan was to talk to the owner of the building that we were here to make a movie about the modern buildings after the lebanese war and how their buildings are beautiful, something like this. He agreed with us but he told me we didn’t have the right to go down with the workers living here and no shooting down. I told him it it was ok. So, we finished everything in the tower from the roof to the first etage and then we snaked down and we spend like five nights with the syrian workers. When the owner heard of it, he kicked us out. But, at least, we have recalled everything and caught what he wanted and now it’s time to show this kind of life and tell the world about these people, how they are suffering: they have escaped from their country to find themselves slaves out of their country.

I discussed with a woman outside the room. She told me she got out of the room before the end because it was really pessimistic, that there wasn’t any kind of hope. However, would you say that you’ve tried to transmit hope through this movie?

I know there’s no hope in this movie. It’s a very depressive movie because we are talking about people underground dying after the bombing. We are talking about people who went away from Syria to find themselves slaves in another country. They don’t have right to talk or to go out. They are completely slaves, so of course there’s no hope at this moment. It’s nothing like a clear for us about the future. A lot of syrians are stucked also, like the workers, they are living inside camps. For me, the hope was the act of building. When I saw the workers building this huge tower with this kind of powerful energy, whereas in the same time they are losing their houses, their families. I told myself “this is our hope”. We have this kind of community, they still have energy and positive power to build something. For me, the act of building was such a great act, because everybody was killing in this country. Everybody is fighting, has to be a fighter, should belong to this party or to this milicia or to this army. Everybody wants to fight, wants blood. And these workers were rebuilding another country after another war. It was for me my hope for the future of these people.         

→ Do you think that cinema could be a way to change things ?

No, cinema will never make a change. And I’m talking about art, not only cinema. Because, if you look now after the second war, we have like I don’t know how much movies about what happened in the second war and after. Humans don’t want to learn from this war or this war. We have war in Afghanistan, we have war in Syria, before in Lebanon and in Africa. Everywhere now we have war. And everybody wants to build his wall and to be alone. For me, maybe I’m wrong, art is not a change currently, because of the power of politician people and the people who create and sell weapons everywhere. We are trying, as film-makers, to make these people change of course. We want to read what’s happening before what’s art changing things in our community, our society, in this world. I would tell you how much small things change it, but not a lot of things.

Version française :

Comment se passe votre venue au festival ?    

Je suis arrivé il y a seulement deux heures environ et j’espère rencontrer des cinéastes et des gens sympas. Comme souvent dans les festivals, on rencontre beaucoup de réalisateurs, on peut parler de films et en regarder beaucoup. Comme je le disais, je suis juste arrivé et la projection de mon film vient de se terminer. C’était très sympa, beaucoup de questions du public. Nous avons échangé longuement sur l’histoire, le montage, le design sonore et tout ce qui concerne le film… C’était vraiment bien.

→ Pourquoi vous êtes-vous lancé dans le cinéma?

Parce que j’aime le cinéma. Quand j’étais petit, je regardais beaucoup de films. Je me suis alors dit “peut-être que ça pourrait être un moyen de m’exprimer. Peut-être que je peux réussir à construire mon langage grâce au cinéma.”

→ En 2011, vous avez réalisé votre premier documentaire “Aydil”, qu’est-ce qui vous a attiré dans ce type de réalisation?

“Aydil” est mon premier documentaire, moyen métrage, 47 minutes. Ce film était pour moi un challenge entre moi et moi-même, en tant que premiers pas de réalisateur, de montrer ce que je pouvais faire, comment j’utilisais les outils que j’avais appris à l’école de cinéma en Russie. Vous savez, le premier film est toujours un gros challenge. J’avais peur mais au final, avec mon équipe, nous l’avons fait. Beaucoup de gens croyaient en mon projet. Aussi, ce film est spécial pour moi, parce que c’est la première fois que l’on parle des Kurdes dans les médias ou dans l’art. Ils nous pas le droit de parler d’eux-mêmes, vous savez. Donc, mon challenge n’était pas seulement de faire un film, mais de choisir ce type de sujet, de parler des Kurdes dans notre pays, dans le Nord. C’était moi contre le régime. En 2009, j’ai commencé à tourner. La première projection s’est passée en 2011, quelques mois avant la révolution. J’ai essayé de m’exprimer et également de laisser ces gens parler d’eux afin de dire aux gens “nous avons ce genre d’histoires tristes dans notre pays and il y a des gens qui n’ont pas le droit de s’exprimer. Nous vivons ensemble, mais alors que nous avons des droits, ils n’ont pas les mêmes.”    

→ Comme venez de le dire, c’était un défi de parler du peuple kurde, est-ce la même chose avec “Taste of Cement”?

Bien sûr ! Nous avons constamment des défis à relever en tant que cinéastes, on veut à chaque fois construire notre langage. Tous les réalisateurs veulent faire leur propre film, créer quelque chose de différent des autres films déjà sortis. Pour moi, c’était clair depuis le début que je ne voulais pas m’engager dans cette voie facile de faire un documentaire sur les ouvriers syriens ou d’autres. C’était très facile de faire venir quelqu’un devant la caméra pour qu’il parle de sa vie pendant dix heures, ensuite aller en studio et le monter. Pour moi, ce n’est pas du cinéma ou un film, parce que le défi est de créer son propre langage, de se chercher en tant que réalisateur, de faire quelque chose de différent et impressionner le public par son travail et sa manière de traiter ce sujet et le filmer.

Avec “Taste of Cement”, vous montrez la situation de réfugiés syriens au Liban. Etait-ce compliqué de tourner ce film, au vu de la situation dans ces deux pays et les tensions là-bas?

C’était vraiment difficile. On a passé un an et demi à attendre la permission d’entrer dans le bâtiment au Liban. Personne de veut de caméra au sein des tours, car les gens y travaillent au noir. Les propriétaires des immeubles utilisent les ouvriers comme des esclaves. Ils n’ont aucun droit, ils vivent dans de sales conditions et n’ont pas le droit de sortir dehors. C’était donc également un gros challenge d’obtenir la permission de quelqu’un. Cependant, notre plan a été de dire au propriétaire que nous faisions un film sur les nouvelles constructions d’après la guerre, la beauté des nouveaux bâtiments, quelque chose comme ça. Il était d’accord mais m’a dit de ne pas aller au sous-sol avec les ouvriers qui vivent là et de ne pas filmer. J’ai acquiescé. Nous avons donc fini les scènes dans la tour, du sommet au premier étage puis nous nous sommes faufilé au sous-sol durant cinq nuits avec les ouvriers syriens. Quand le propriétaire l’a su, il nous a viré. Mais au moins, nous avons tout enregistré et filmé ce que nous voulions et maintenant il est temps de montrer cette vie et prévenir le monde sur ces gens, leur souffrance : ils se sont échappé de leur pays pour se retrouver esclave loin de chez eux.

J’ai discuté avec une dame en dehors de la salle. Elle m’a dit qu’elle était sortie de la salle avant la fin car le propos était très pessimiste, qu’il n’y avait aucun espoir. Cependant, diriez-vous que vous avez essayé de transmettre de l’espoir à travers ce film?

Je sais qu’il n’y a pas d’espoir dans ce film. C’est un film très dépressif car nous parlons de gens qui meurent sous les bombes. On parle de gens qui se sont enfuis de Syrie pour se retrouver en esclavage dans un autre pays. Ils n’ont pas le droit de parler ou de sortir en dehors de la tour. Ils sont complètement esclaves, donc évidemment qu’il n’y a pas d’espoir à ce moment là. Ce n’est rien d’autre qu’une mise en lumière de notre futur. De nombreux syriens sont pris au piège comme les ouvriers, mais cette fois dans des camps. Pour moi, l’espoir se situe dans l’acte de construire. Quand j’ai vu les ouvriers construire cette immense tour avec cette énergie puissante, alors qu’au même moment, ils perdent leurs maisons, leurs familles. Je me suis dit “ça c’est notre espoir”. Nous avons cette “communauté” si on peut dire, ils ont encore l’énergie et la force positive de construire quelque chose. Pour moi, l’action de construction était un acte grand, car tout le monde s’entretue dans leur pays. Tout le monde se bat, doit se battre, doit appartenir à tel parti, telle milice, telle armée. Tout le monde veut se battre, veut du sang. Et ces ouvriers reconstruisent un autre pays que le leur, après une autre guerre. C’était mon espoir pour le futur de ces gens.

→ Pensez-vous que le cinéma peut changer les choses ?

Non, le cinéma ne peut pas créer de changement. Et je parle de l’art, pas seulement de cinéma. Car, si on regarde depuis la seconde guerre mondiale, il y a je ne sais combien de film relatant de la situation du monde depuis cette guerre. Les humains ne veulent pas apprendre de cette guerre ou cette guerre. Il y a la guerre en Afghanistan, en Syrie, avant au Liban ou en Afrique. Il y a des guerres partout. Et tout le monde veut se construire son mur et être seul. Personnellement, j’ai peut-être tort, l’art ne change pas les choses actuellement, à cause du pouvoir des politiciens et de l’industrie des armes présente partout. Nous essayons, les réalisateurs, de faire changer ces personnes évidemment. Nous voulons analyser ce qui se passe avant de voir ce que l’art peut changer dans nos communautés, notre société, dans ce monde. Je pourrais vous dire à quel point de petites choses peuvent changer la situation, mais elles sont peu nombreuses.  

Julie Armouet

Interview de David OReilly

Né en 1985 à Kilkenny, Irlande

Premier short-movie connu : WOFL2106 (apparition de memes du moment)
2007 : Sons of Rainbow

Réalisateur invité pour l’épisode “A glitch is a glitch” d’Adventure Time (scénario, production, réalisation

Film Her de Spike Jonze (création du personnage et de l’univers virtuel)

Jeux-vidéos : Mountain (2014) et Everything (2017)

Nombreux prix pour ses courts-métrages : Ours d’Or Berlin International Film Festival 2009 Please Say Something , best animated short-movie Sundance Film Festival 2011 for The External World

L’aventure Octocat : En 2008 un jeune garçon de 9ans “RANDYPETERS1” poste sur Youtube les dessins d’un chat aux longs bras cherchant ses parents → 5 épisodes avec pour le dernier des images en 3D → le garçon est en fait David O’Reilly !

Version originale :

→ How do you like it here at La Roche-sur-Yon?

It is my first time at La Roche-sur-Yon. I am having a wonderful time. It feels like a gigantic festival, compressed into the city. I am having a wonderful experience, to keep it short. I’m just really enjoying this.

 

→ How do you like the exhibition of your work and its management by the art school?

Well, this exhibition blew me away. Because, actually I had a little to do with it. It’s an amazing production by the team here. I’ve never seen anything like it before. And it‘s not only this beautiful presentation of the work, but it’s translated into french for the first time. And they’ve produced this amazing book to accompany it. Of course, it’s like a complicated thing when you see all of your work together. When you make something,  you train yourself to scan for the problems and errors in it. When I see my work, particularly early work, I kind of cringe and I find it difficult to enjoy. But at the same time, the festival really wanted to do a comprehensive collection, retrospective of work. I even know the direct experience of being confronted to its project, it’s really difficult for me personally. I really like the kind of depth, the wide spectrum that’s on display. You can see a progression and you can see the flaws that are not so flawed. And that’s important too. It’s good to be able to see an artist’s mistakes, the paths that every artist takes, which is never a straight line. I hope people will like it.  

 

→ What pushed you to start creating animated movies?

I fell in love with animation when I was a teenager. I was exposed to animation like every child is, but when I saw the artists working in it, I became really interested. When I saw the work of people like Oscar Fischinger and Norman McLaren, who are these very unique individuals in animation landscape, who treated it like a medium of expression as a sort of carriers of these ideas and techniques that nobody else was doing. They were just these independant figures that were able to create these amazing things by themselves. That was very appealing to me. I love that side of it. And then I also fell in love with the Disney work. When I started learning the techniques of animation, I grew this appreciation for movement, all of the visual components of animation. When you learn to draw, it changes how you look at things. And when you start learning animation, you also start seeing movement in a new way. So it sort of changes the way I look at the world, as I got deeper and deeper into it. I just felt like it’s just the best medium in the world!       

       

→ You have directed a whole episode of “Adventure Time”, an animated movie that a lot of children and teens know, you posted the octocat adventure on youtube as a 9 year-old boy. Would you say that you are an eternal child inside?

I think the more advanced you get in any creative field, the more careful you become and the more you appreciate the kind of freedom that a child exhibits and how they create, that unself censure, unself conscious, bold and brave kind of spirit that every child has. It’s kind of like you get the situation where the more advanced you get, the more you appreciate the simple and the kind of crude. I definitely think that for every artist, you get the point when you got to cultivate that sort of freedom. A child-like approaches of life is as valuable as a kind of advanced approaches. And I think people find it appealing too, when something has a child-like spirit. It’s less intimidating. It has a feeling that it reaches people in a very deep way, so yes.   

 

→ You’ve worked a lot with internet, do you think that internet is the future of art creation and art spreading?

I think that internet is the present of art communication and art spreading and it’s of course the future of that. Internet is the present of all information sharing, and the future. I don’t know exactly what the future holds, but it will certainly evolved into an internet ecosystem, and I feel that is something that it is not going away soon.

 

→ In 2014, you created the Mountain video-game, your first one. Why did you choose to experience this special type of creation?

I’ve always been interested in artificial image, and I was exploring that in design and animation. I just started to become curious about this new form of 3D. So I started to just play with the software, without any real aim, just having fun with it. And then I started to get ideas that I felt would work inside that medium. Once that happened, I started making them and that’s it ! It was for me another thing that I got very addicted to. It happened at the time when somebody like me who wasn’t a programmer could work with tools that were more artist-friendly. I started creating at that point, when it was basically possible to do more art projects with it.

 

→ Would you say that video-game is a proper form of art?

Of course, absolutely ! But the proper form of art is something that everybody decides individually. Many people think that cinema is not a form of art, many people think that contemporary art is not real art, it’s a very subjective thing. But for me, it’s very obviously. It’s a carrier of ideas, it’s a place for persons to arrange their thoughts, feelings and ideas. It allows for a sort a transfer of experience and all of the things that you could expect from a work of art.

 

→ Did you play video-games when you were a child? Which one? And now?

I played gameboy, a little bit and I had a playstation for a while. But most of my childhood, I was not really allowed playing games. They were not as much part of my childhood, as some of my friends who make games. That’s something I discovered mostly in my twenties. After I had already started animation, I started to take a look at games. Now it’s more part of my life, yes. It’s a very active field and there are so many things coming out every year, very ambitious projects that I can’t resist trying. I haven’t actually played a game in maybe eight months or something, since finishing my game and making sure that was totally finished. And taking a break now, it’s more part of my life.        

 

Traduction :

Appréciez-vous votre venue à la Roche-sur-Yon?

C’est la première fois que je viens à la Roche-sur-Yon. Je passe un superbe moment. C’est un gigantesque festival, concentré dans la ville. C’est une expérience géniale pour moi, pour faire court. J’apprécie vraiment être ici.

 

→ Appréciez-vous l’exposition de votre travail et son aménagement par l’école d’art?

Et bien, cette exposition m’a scotché. Parce qu’en fait, je n’ai pas eu grand chose à faire. C’est une incroyable production réalisée par l’équipe de l’école d’art. Je n’avais jamais rien vu de pareil avant. Et ce n’est pas seulement une belle présentation de mon travail, mais c’est aussi la première fois qu’il est adapté en français. Et l’équipe a produit ce livre génial pour l’accompagner. Bien sûr, c’est compliqué de voir tout son travail rassemblé. Quand on crée quelque chose, on s’entraîne à scanner les problèmes et les erreurs. Quand je regarde mon travail, particulièrement mes débuts, ça me révulse un peu et j’ai du mal à l’apprécier. Mais en même temps, le festival voulait vraiment faire une rétrospective compréhensible. Je connais ce sentiment d’être confronté directement à son propre travail et c’est difficile pour moi personnellement. J’aime beaucoup la profondeur, le spectre large qu’offre l’exposition. On peut voir une progression, les erreurs qui ne sont pas si imparfaites que ça. Et c’est aussi important. C’est bien d’avoir la possibilité de voir les erreurs d’un artiste, les chemins que chaque artiste prend, car ce n’est jamais une ligne toute tracée. J’espère que les gens vont apprécier.

 

→ Qu’est-ce qui vous a poussé à la création de films d’animation?

Je suis tombé amoureux de l’animation quand j’étais adolescent. J’ai été exposé à l’animation, comme tous les enfants. Mais quand j’ai vu les artistes travaillant dessus, ça m’a vraiment intéressé. Quand j’ai vu le travail d’Oscar Fischinger et Norman McLaren, des individus uniques dans le paysage de l’audiovisuel qui la traitait comme un moyen d’expression, comme porteuse de ces idées et de techniques que personne n’avait. Ils étaient ces figures indépendantes capables de créer d’incroyables choses par eux-mêmes. C’était très attirant. J’aime cet aspect de l’animation. Et puis, je suis aussi tombé amoureux du travail de Disney. Quand j’ai commencé à apprendre les techniques de l’image animée, j’ai développé cette appréciation du mouvement, toutes les composantes de l’animation. Quand on commence à dessiner, notre regard sur les choses change. Et quand on commence à apprendre l’animation, on appréhende le mouvement d’une manière différente.

Donc, ça a changé en quelque sorte la manière dont je regarde le monde, au fur et à mesure que j’approfondissais mes connaissances. J’avais juste l’impression que c’était le meilleur média du monde !    

 

→ Vous avez réalisé un épisode entier d’ “Adventure Time”, un dessin-animé que beaucoup d’enfants et d’adolescents connaissent, vous avez posté “les aventures d’Octocat” sous l’identité d’un garçon de 9 ans. Diriez-vous que vous êtes un éternel enfant à l’intérieur?

Je pense que plus on avance, dans n’importe quel type de création, plus on fait attention et plus on apprécie cette sorte d’affranchissement que l’enfant exhibe et sa manière de créer, sans censure personnelle, sans conscience personnelle, l’intrépide état d’esprit de tous les enfants. C’est-à-dire que plus on avance, plus on aime la simplicité, cet “état brut”. Je pense réellement que pour chaque artiste, il y a ce moment où l’on doit cultiver cette sorte de liberté. Une approche “enfantine” de la vie vaut autant que des approches plus évoluées. Et je pense que les gens sont attirés par l’esprit enfantin de certaines choses. C’est moins intimidant. Ca touche les gens de manière profonde.   

 

→ Vous avez beaucoup travaillé sur internet, pensez-vous que c’est le futur de la création et de la diffusion artistique?

Je pense qu’internet est le présent de la communication et la diffusion de l’art et c’est bien entendu son futur. Internet est le présent de tout le partage d’informations et son futur. Je ne sais pas vraiment de quoi sera fait le futur, mais il va certainement évoluer vers un écosystème internet et n’est pas amené à disparaître tout de suite.

 

→ En 2014, vous avez créé le jeu vidéo Moutain, votre premier. Pourquoi avoir choisi d’expérimenter cette forme spéciale de création?

J’ai toujours été intéressé par l’image artificielle et je l’expérimentais déjà avec le design et la création. J’ai juste fait le curieux à propos de cette nouvelle forme de 3D. Donc j’ai simplement commencé à jouer avec le logiciel, sans réel but, juste pour m’amuser. Et puis sont venues des idées qui pouvaient coller à ce médium. Quand c’est arrivé, j’ai commencé à faire des jeux, et c’est tout ! C’était pour moi encore quelque chose qui me rendait addict. Ca s’est passé au moment où quelqu’un comme moi, qui n’était pas programmeur, pouvait travailler avec des outils plus adaptés pour les artistes. J’ai commencé à travailler à ce moment là, quand c’est devenu possible de faire plus de projets artistiques avec cette technologie.

 

→ Diriez-vous que le jeu-vidéo est une forme d’art à part entière?

Bien sûr, absolument ! Mais la notion d’art est quelque chose que chacun décide individuellement. Beaucoup de gens pensent que le cinéma n’est pas une forme d’art, beaucoup que l’art contemporain n’est pas vraiment de l’art, c’est très subjectif. Mais pour moi, le jeu-vidéo, c’est évident. C’est un support d’idées, un endroit où les gens organisent leurs pensées, sentiments et idées. Cela permet une sorte de transfert d’expérience et tout ce qu’on peut attendre d’une oeuvre d’art.

 

→ Jouiez-vous aux jeux-vidéos quand vous étiez petit? Et maintenant?

J’ai joué à la gameboy, j’ai eu une playstation il y a longtemps. Mais durant une grande partie de mon enfance je n’avais pas le droit de jouer aux jeux vidéos. Les jeux vidéos n’ont pas vraiment fait partie de mon enfance, comparé à certains de mes amis qui développent des jeux-vidéos. C’est quelque chose que j’ai plutôt découvert vers mes vingt ans. J’ai commencé à m’y intéresser alors que j’avais déjà commencé l’animation. Maintenant, ils font beaucoup plus partie de ma vie. C’est un domaine très actif, avec des nouveautés qui sortent tous les ans, des projets ambitieux que je ne peux résister de tester. En réalité, je n’ai pas joué aux jeux-vidéos depuis peut-être huit mois ou plus, depuis que j’ai finit mon jeu, que je me suis assuré qu’il était vraiment terminé. Et maintenant que je fais une pause, ça occupe un peu plus mon quotidien.

 

Julie Armouet

Drôle de bobine !

Nous retrouvons la rubrique de Cassandre qui est d’habitude en dernière page de la gazette.

Hier soir, c’était au tour de Lake Bodom, un film d’horreur, d’être visionné. Des bruits suspects se font entendre dans la salle, une poignée d’adolescents cherche un quelconque objet derrière lequel se cacher durant la séance, des couples s’embrassent à pleine bouche afin de s’insuffler une bonne dose de courage. L’horreur est visiblement plus présente qu’on pouvait le présumer.

Le film est ponctué par quelques sursauts, d’exclamations indignées «­­­­­­ Quoi, elle se foule la cheville et ils la laissent seule dans la forêt ? Mais quels imbéciles, c’est pas croyable » et de virils piaillements au rythme des screamers. La routine d’un film d’horreur, en fin de compte.

Mais ne nous attardons pas sur le passé. Vous tenez entre vos mains le dernier numéro, pour cette année, de notre fameuse Gazette. N’hésitez pas à le garder, qui sait, quand nous deviendrons tous célèbres (du moins moi), il se vendra peut-être cher…

Trêve de plaisanterie. Je ne vais pas vous écrire mes remerciements à toute l’équipe du festival, ce serait ennuyant au possible, et je suis certaine que vous n’en avez cure – on ne peut pas vous donner tort.

À la place, j’aimerais que vous ayez tous une pensée émue au directeur du journal, Francis Mizio, qui court toute la journée pour corriger les critiques de mes camarades et réfrène mes pulsions sarcastiques. Simple mais sage précaution pour éviter que la direction ne démolisse au bulldozer notre rédaction temporaire au sous-sol du Cyel. Certaines rumeurs racontent même que notre mystérieux professeur s’entraîne toute l’année au 400 mètres haies pour assurer cette semaine. Libre à vous de le croire…

Francis Mizio, toujours aussi fantasque

Songez à son pack de boissons énergisantes qu’il sirote à longueur de journée et à ses cauchemars la nuit qu’on pourrait résumer par « Saperlotte va-t-on remplir la Gazette aujourd’hui ? Vais-je devoir user d’ingénieux stratagèmes pour combler le vide ? Seigneur éclairez-moi le chemin à suivre… »

Après m’être acharnée pendant toute la semaine sur un tas de gens au comportement regrettable, je souhaiterais exprimer ma reconnaissance envers ceux qui ont égayé mon festival. Je veux bien évidemment parler de ces personnes qui vous tiennent la porte, le sourire aux lèvres, alors que vous êtes encore à bien 500 mètres d’eux. Mais ils restent fidèles à leurs principes, ils attendent que vous ayez posé la main sur le battant pour enfin le lâcher et savourer en silence le petit merci qu’ils récoltent. C’est ça, l’esprit du festival.

À l’année prochaine.

Cassandre Dumoulin

Interview de François Musy

Ingénieur du son, François Musy a collaboré avec les plus grands cinéastes : Jean-Luc Godard, Claire Simon mais aussi Xavier Giannoli (Marguerite, pour lequel il a reçu le César du meilleur son en 2015), Philippe Garrel ou Maurice Pialat. Aujourd’hui, il nous parle de son travail.

Rencontre école et cinéma

Retour sur la rencontre école et cinéma de l’édition 2017 du Festival International du Film. Cette rencontre est consacrée aux questions d’adaptation sur grand écran d’une œuvre de littérature jeunesse. Cet événement s’est déroulé en présence de Jean Regnaud, scénariste du Grand Méchant Renard et Camille Girard, auteure d’un Cahiers de Note sur… Ernest et Célestine.